Factoría de Talento

13.04.2021

Lara Lussheimer: “La fotografía en sí misma es mi manera de contar cosas allá por donde voy”

Lara Lussheimer es alumna graduada en el Grado en Diseño Gráfico y Multimedia de ESNE. Actualmente trabaja en Treviso, Italia, como creativa en el prestigioso centro de investigación Fabrica Research Center. Desde allí, la diseñadora gráfica y fotógrafa, responde a esta entrevista de ESNE en la que rememora su paso por la Escuela Universitaria y analiza su personal visión del diseño.

 

1. ¿Qué es lo que te empujó a salir fuera de España y qué destacarías de tu experiencia?

La curiosidad, como quien nace. Las experiencias interculturales y de todo tipo para aprender, para sorprenderme. Conocer. Conocer a nuevas personas de cada rincón de este mundo y sus historias. Explorar. Y mi madre (risas).

Cuando se viaja, uno no espera. Se producen esos encuentros cara a cara de cómo uno interpreta y cómo se mezcla con un nuevo lugar que le enriquece.

A mí lo de ir fuera me atrae y, aunque no tiene porqué ser una experiencia fundamental para todas las personas, para otras sí que lo es. Recuerdo una conversación que tuve con una persona que conocí que me dijo: “una calle aunque la mires las 24 horas y por más de 30 años nunca será la misma”. Uno mismo siempre está en continuo cambio con su entorno, esté donde esté.

Viajar y hacerlo con la mente cerrada, no va de la mano. Y si te quedas en casa, también con mente abierta, es lo único que importa.

 

2. Tal y como percibes tú el diseño, tus creaciones nunca pueden prescindir de…

Conceptos. Girar algo, darle la vuelta nuevamente, experimentar la unión entre elementos para generar algo nuevo, jugar y entrar en contacto con lo físico, nunca mejor dicho. Y así conectar emocional o intelectualmente con quien lo vea.

Muchas de las relaciones que hago son un encuentro de nuestra situación social con el diseño.

Siempre me ha gustado trabajar manualmente y últimamente estoy acercándome y combinando mis creaciones con la estética más cruda de lo cotidiano, de la naturaleza y del Arte Povera, usando muchos materiales pobres como principal motor.

 

3. ¿Cómo es el proceso natural de creación que sigues?

El modo de creación de cada uno es una de las grandes incógnitas.

Puedo decir que es algo muy íntimo, que requiere introspección, a la que no hay que temer, sino tomar y echar hacia afuera. Aunque, eso sí, puedo decir que el proceso creativo también es algo que requiere situarse fuera de uno mismo. Menuda contradicción. Como dijo Stefan Zweig: “La creación artística es inspiración más trabajo, deleite más tormento.”

No hay un camino o un método determinado que conduzca a una idea. Ni un tempo determinado. Lo mejor es transitar el camino propio.

 

4. Un diseñador que tengas como referencia:

Voy a permitirme referirme a varios, ya que todos son relevantes para mí y podría mencionar incluso algunos más.

La cartelería del diseñador gráfico Gunter Rambow, que recoge los problemas sociales y políticos de su tiempo, sin ocultar su orientación ideológica de izquierdas y que confronta la imaginería de los mitos y la fantasía con los problemas y contradicciones de la sociedad.

El diseñador Isidro Ferrer y sus carteles de teatro, que juegan con distintos sentidos y con objetos cotidianos.

Oded Ezer, artista gráfico y tipógrafo, músico y poeta, estudió en la Academia de Bellas Artes y Diseño Bezalel, en Jerusalem. Me fascina su experimentación en lo tipográfico y el fuerte vínculo que genera con lo visual.

Studio Swine, compuesto por Azusa Murakami y Alexander Groves, con untrabajo que articula la escultura, las instalaciones y el cine, mezclando poesía e investigación de experiencias inmersivas, recursos distintivos y la estética vernácula de su panorama cultural, histórico y económico. Conectan el diseño con los problemas sociales.

La artista Anna Vassof, arquitecta y artista multimedia. Actualmente trabaja en diseño y construcción de mecanismos innovadores para la producción de videos, acciones e instalaciones, críticos y narrativos.

Las portadas de The New York Times Magazine, en las que han colaborado diseñadores como Pablo Delcan o Javier Jaén, entre otros, con Gail Bichler
como directora del departamento de diseño.

Los cuadros de Lucio Fontana, con ese lienzo que se ha rajado una vez o varias veces, considerado emblemático por su estética gestual.

 

5. ¿Qué papel tiene la fotografía en tus creaciones?

En cuanto al diseño gráfico, la fotografía cobra mucha relevancia como método para dar vida y conseguir reflejar visualmente la realidad de lo inventado; por otro lado, la fotografía en sí misma es mi manera de contar cosas allá por donde voy.

En ambos casos, es una manera de encontrar nuevas perspectivas, relaciones entre objetos, entre personas, materiales, colores, luces y sombras… El momento de una emoción, una acción concreta… El contrapunto entre naturaleza y artificio… El paso del tiempo y atrapar el tiempo. El movimiento, el devenir de las cosas. Una expresión… Un detalle.

Por lo que sea, me centro en detalles, pero también lo hago en la escena completa. Estoy ahí.

 

6. ¿De dónde viene tu pasión por la foto?

Desde pequeña observé cómo mi padre sacaba fotos mientras andábamos. Eso me inspiró.

Empiezo a caminar cámara en mano y siento que todo está vivo mientras voy andando. Miro de lado a lado y exprimo todas las posibilidades… contar un cuento, generar un concepto, mostrar la tensión de una historia… Sorprender, despertar una incógnita, hacer que los demás hagan una interpretación, que reflexionen… Cuando saco fotos, encuentro, pero siento que es un reflejo exacto de lo que iba a buscar.

Dicen: “La vida de un fotógrafo es en total dos segundos.” Y digo, bueno que cada uno se los administre como pueda (risas).

 

7. Un fotógrafo que te inspire:

Como en la anterior pregunta, igual me paso de una referencia…

Para empezar, los cautivadores momentos de Bresson y su famoso instante decisivo.

Las fotografías de Ruth Orkin, que conservan aún hoy con el paso del tiempo, un aire fresco y novedoso. Parece que los personajes de sus fotos están vivos.

Chema Madoz y el balance que genera entre emoción y razón, viendo más allá de los objetos y logrando una sensación de atemporalidad que me recuerda inevitablemente a la poética surrealista de Man Ray, por ejemplo en la famosa fotografía de estilo “Dada” de Les Larmes en las mejillas de la fotógrafa Lee Miller, otra referente, tanto en su faceta de fotógrafa artística como en la de fotoperiodista, excelente en el juego de formas y contrastes.

La particular serie de retratos “Passengers” de John Schabel. Me impresiona cómo consigue mostrarnos qué es estar entre un lugar y otro, concentrando tales expresiones y emociones en una pequeña ventana al mundo.

Y, permitiéndome ir a lo audiovisual, me gustaría mencionar a Alfonso Cuarón, que consigue llevarte con él a través de cada escena de su película Roma, componiendo un perfecto imaginario visual fielmente generado por sus recuerdos.

La imagen perseguida por Marina Abramovich gracias a la tensión que genera en torno a su performance y por último, el cortometraje Luminaris de Juan Zaramella, su estética y la fotografía en formato Stop Motion logra captar el ambiente, la temperatura, el colorido y todas las sensaciones alrededor del deseo del protagonista.

 

8. Algún consejo a tu yo del pasado y tu yo del futuro:

Como me ha venido pasando hasta ahora, la cosa parece ser que va de crecer y decrecer al mismo tiempo. De conocer y desconocer. Encontrar, hacer y deshacer, para rehacer. Aprender a desaprender, entrar en ese espacio atemporal de construir y crear sin saber y, al mismo tiempo, sabiendo. Crear lo dado, como dice Winnicott, y que sea un gusto conocer lo que vas haciendo. E intentar conocerse a uno mismo en medio de todo esto.

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